Despidiendo a un amigo (Francisco Morales Lozano)

Hermoso pasodoble compuesto por nuestro amigo Paco Morales que va dedicado a todos los alumnos que cada año forman el taller provincial de música de Baeza. Fue estrenado en el XIX Taller.

Este pasodoble ha arrancado las lágrimas de todos los alumnos que han pasado por el Taller, por lo cual es muy significativo para nosotros...

Marchas de procesión

Ante el gran poder (Pedro Gámez Laserna)

Compuesta en 1974. Está dedicada a la hermandad del Gran Poder (Sevilla). Es una adaptación a marcha procesional de la misma plegaria para tenor y órgano, del mismo autor, basada en un poema de Eduardo Guerrero Domínguez.

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Salve Regina Martyrum (Pedro Gámez Laserna)

Salve Regina Martyrum, marcha compuesta por Pedro Gámez Laserna en 1950, y dedicada a la Reina de los Mártires de Córdoba. Es sin duda una marcha diferente, sin nada que ver con ninguna otra, y sin seguir el canon de “marcha de semana santa”, es otra cosa, es una marcha sin serlo, es Pedro Gámez.
La susodicha “marcha”, comienza con los bajos entonando el “Salve Madre” en La Bemol mayor con un misterioso acompañamiento de caja esperando a la entrada de maderas con síncopas contrapuntísticas, contracantos y sucesión de corchea dos semicorcheas.
Acto seguido los bajos comienzan una base armónica de simples negras picadas para que se crucen los papeles y las maderas canten el Salve Madre. Llamada de trompetas para que se oiga una variación del contracanto del principio siendo a su vez acompañada por otro tema de saxofones. El motivo termina con otra llamada de trompetas terminando en un fortísimo que da pie de nuevo al Salve Madre en esta ocasión una quinta justa por encima, mi bemol mayor. Todo más grandioso, acompañamiento staccato de los bajos y llamada de trompetas entre frase y frase. Los clarinetes pasan de nuevo al tema corchea dos semicorcheas mientras flautas y oboes siguen con la melodía principal. Los saxos cantan solos, con tresillos de negras, acaban la frase en un trino al que responde el resto de la banda excepto los bombardinos, que repiten el tema anterior de saxofones, vuelven a preguntar saxos, vuelven a trinar los demás, y la despedida con un fortísimo en tresillos de negras descendiendo, cambio de tono.
Si bemol mayor, energías renovadas e introducción al nuevo tema de saxofones y trompetas, empiezan maderas agudas ascendiendo desde el piano y llegando al clímax con un trino. Y vuelven a tomar el mando.
Se produce entonces una frase que va ascendiendo poco a poco en fuerza y tesitura para bajar inmediatamente por el mismo camino y descender ya del todo hasta abajo con corcheas. Trompetas llaman, maderas responden arriba. Trompetas llaman desde abajo, maderas vuelven a responder.
Y llegamos al siguiente motivo con una llamada fuerte y arriba de trompetas con un tema muy dulce de maderas que acaba sobreagudo para atacar a una rápida escala ascendente de clarinetes y dulces tresillos de corcheas descendentes de flautas. Toda la banda al unísono busca una nota subiendo poco a poco con corcheas y al encontrarla baja del mismo modo. Clarinetes vuelven a intentarlo con otra dulce frase que tras llegar a su punto clave vuelve a su punto de partida.
Toda la banda, para concluir, se sume en un fortísimo en el que no se puede encontrar melodía principal, todos son uno, y nadie toca lo mismo. Las trompetas vuelven a lucirse con una llamada picadita, de tresillos de negras, a la que responden maderas con corcheas descendiendo hasta el comienzo de otra llamada de las trompetas, acordes fuertes y largos, y momento de la tragedia, acaba la marcha.
Otra de las grandes de D. Pedro Gámez, rica en contenidos, rica en frases y motivos, rica en preguntas y respuestas, rica, simplemente, en música.

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Saeta cordobesa (Pedro Gámez Laserna)

Compuesta en 1949. Una obra magistral, riquísima desde el punto de vista musical, cuya no inclusión en los repertorios de la mayor parte de las bandas de música que acompañan a nuestras hermandades pone de manifiesto la decadencia de una época presidida por la mediocridad.
Pero hablemos de esta genial "Saeta Cordobesa".
La obra se inicia con un amplio recitativo encomendado a los metales graves, al que luego se suman las demás voces en una estructura casi barroca, de tremenda intensidad, primero en crescendo y luego decreciendo hasta quedar sólo los bajos marcando el ritmo conciso de negras del primer tema, desgranado de la estructura de la introducción.
A continuación encontramos un fuerte en mayor protagonizado por los metales brillantes, alternando en menor con la madera en un delicioso contraste melódico y tímbrico. Posteriormente, se fusionan en menor metales y maderas, con una polifonía riquísima y un dramatismo netamente barroco. La melodía se abre casi imperceptiblemente de nuevo a modo mayor en la siguiente sección, introduciendo el intervalo correspondiente de tercera mayor. De nuevo un recurso característico de la musica de principios del XVIII.
La siguiente sección es una fanfarria con la tradicional llamada de metales en "piano", contrarrestada por las voces ascendentes y descendentes de la madera. De nuevo diálogo y encuentro de diferentes voces. Al alcanzar el "forte" se manifiesta ante nosotros el Gámez Laserna capaz de los momentos de mayor nobleza y brillantez.
Como en otras grandes obras clásicas, ésta concluye con una bellísima saeta, como no podía ser menos, rica en contrastes rítmicos y armónicos (cabe destacar las valoraciones irregulares en la melodía o un esquema rítmico sincopado muy original en las segundas voces). Esta estructura, de gran hondura expresiva, se resuelve en un "tutti" espléndido y brillantísimo. Grandioso final para una obra excepcional. Música y emoción en estado puro.

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Ecce Homo! (Eduardo Escobar de Rivas)

Grandiosa marcha fúnebre, muy desconocida, compuesta en el año 1929. Está dedicada a Nto. Padre Jesús del Ecce Homo (Cádiz).

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Corpus Christi (Anónimo)

Marcha eucarística - al Santísimo dedicada a Jesús Sacramentado (Sevilla).
Todo un clásico de la Semana Santa. Su autoría es una incógnita aunque siga los cánones de la marcha innovada por López Farfán.

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La madrugá (Abel Moreno Gómez)

Marcha lenta compuesta en 1987. Está dedicada a la Madrugá de Sevilla.

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María Stma. del Subterráneo (Pedro Gámez Laserna)

Marcha lenta con cornetas compuesta compuesta en 1961. Dedicada a la Virgen del Subterráneo (Hdad. de la Cena, Sevilla).

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Sevilla Cofradiera (Pedro Gámez Laserna)

Compuesta en 1972, está dedicada al Consejo de Cofradías de Sevilla.

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Amarguras (Manuel Font y de Anta)

Marcha fúnebre compuesta en 1919 y dedicada a la Virgen de la Amargura.
Respecto a la autoría de “Amarguras” hay muchas hipótesis, pues se baraja que el creador de la marcha pudiera ser cualquiera de los dos hermanos —Manuel o José— pero, tras un análisis de la partitura cotejándola con otras composiciones de la familia, se puede afirmar que su creador es indiscutiblemente Manuel, si bien no se debe descartar la posibilidad de que José le hubiera hecho en su momento algunas sugerencias al piano. La instrumentación de la marcha corrió a cargo del padre, Manuel Font Fernández de la Herranz, gran conocedor de la plantilla de una banda de música, y por tanto gran instrumentador y arreglista musical. De hecho, la inmensa mayoría de las composiciones de su familia las instrumentó él. Al final de su vida, el mismo Font Fernández también transcribió "Amarguras" para orquesta por encargo de la propia Hermandad.
Comienza directamente con un Tema A cuyo motivo está basado en el de la marcha "A la memoria de mi padre" de Font Fernández. Luego pasa al Tema B (a lo que Font de Anta llama Primer Trío), posteriormente el Tema C (denominado Segundo Trío) y para concluir, una recapitulación del Tema A.
La madera de la banda hace una introducción suavemente y a unísono utilizando el motivo del Tema A; responde a este primer motivo de la misma forma, pero en otro tono. Tras unas arrolladoras llamadas de metales, es de nuevo la madera quien desarrolla ese Tema A, que tras reexponerse en forte, mediante un puente da paso al Tema B o Primer Trío de la obra. También el Primer Trío, tras exponerse primeramente en piano, pasa a ser conducido en un tutti fortissimo con un solemne acompañamiento de bajos y trombones —similar al que utilizará López Farfán en 1925 en el trío de “La Estrella Sublime”— y, acto seguido, sin compás alguno de preparación, da paso al Tema C o Segundo Trío de “Amarguras”. Éste también se presenta al igual que los otros: primeramente la madera en piano —concluye cada final de frase unas breves llamadas de trompetas con sordina— repitiéndolo todo en fortissimo y stacatto. Esta vez sí, con dos compases de preparación, se reexpone el Tema A, para luego dar paso al final de la obra, en el que hay una saeta que suele tocar la trompeta con sordina. La marcha concluye con la popularísima, breve y contundente recapitulación del motivo principal del Tema A, con toda la banda en tutti fortissimo.

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Mater Mea (Ricardo Dorado)

Marcha lenta compuesta en 1962.
Ricardo Dorado (Coruña, 1907-Madrid, 1988), autor, entre otras, de "Cordero de Dios", "Altare Dei", "Getsemaní", "Hossanna" o "Dominus Tecum", crea en esta obra un arquetipo admirable de marcha procesional fúnebre. La inspiración de sus temas, la maestría en la armonización y la economía de los elementos utilizados, sabiamente, eso sí, por su autor, hacen de "Mater Mea" una página imprescindible para el repertorio de cualquier banda de música que se precie.
Hablábamos de economía de recursos, y no lo hacíamos gratuitamente. De hecho, el leit-motiv que vertebra toda la composición desde el primer compás hasta el final, es de una simplicidad asombrosa: un motivo construido sobre tres notas (los grados 5º, 6º y 4º de la tonalidad en modo menor), que giran en intervalos conjuntos sobre el eje de la dominante (5º grado). Lograr con tan elementales recursos un tema de tal carga emocional sólo puede hacerlo un consumado maestro de la composición como es Dorado.
La introducción, como decimos, está articulada en torno a ese elemental leit-motiv, y crea desde el primer compás una atmósfera cargada de tensión dramática. La alternancia entre planos de diferentes dinámicas sonoras no hace sino subrayar la tensión emocional, resuelta por una cadencia magistral que nos conduce al tema A.
Dicho tema A no es más que un desarrollo lógico del motivo inicial enunciado en la introducción. Merece la pena destacar la elegancia con que las llamadas de trombones y trompetas plantean su contrapunto a la melodía, y que le otorgan una cierta dimensión "épica". (Algo parecido observamos en la llamada introductoria de Mektub.)
El tema B, en mayor, contrasta marcadamente con el tema anterior. Las tinieblas son deshechas por la irrupción de un cálido haz de luz. El oído encuentra el sosiego de una melodía acariciadora que nos seduce con su encanto y nos hace olvidar por un momento la conciencia del dolor. Pero el autor nos abisma de nuevo en el paisaje conmovedor del Gólgota, que es una metáfora de la desolación humana: el tema A reaparece violentamente en "fortissimo" y nos arrastra con su poderoso magnetismo. Una posterior reexposición en "piano", con las llamadas de trompetas y trombones, concluye inopinadamente en un brillante acorde en mayor.
El tema C, también en menor, nos conmueve por su hondo patetismo. En él parece flotar un sentimiento de amarga desesperanza. La transición final del mismo es sencillamente abrumadora. La obra, en una estructuración cíclica casi obsesiva, retorna una vez más al comienzo, en un generoso "da capo" en el que son reexpuestos completamente la introducción y los temas A y B, incluyendo la repetición subsiguiente del tema A, en "fortissimo" primero y luego en "piano".
La obra finaliza, en una circularidad perfecta, en la inesperada modulación a mayor que antes señalamos al final del tema C, y que actúa como un eje de simetría que sustenta la arquitectura asombrosa de esta obra.

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Coronación (Marvizón y Juan José Puntas)

Marcha con cornetas para una coronación, compuesta en 2002. Dedicada a la Coronación de la Virgen de los Dolores del Cerro, Sevilla.

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Santa Ana (José de la Vega Sánchez)

Marcha de Gloria compuesta en 2007 dedicada a Santa Ana (Parroquia de Santa Ana de Triana, Sevilla). Está compuesta para el pregón de las Glorias de 2007 realizado por José Antonio Rodríguez Benítez.

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Azul y Plata (Manuel Marvizón Carvallo)

Marcha para Semana Santa compuesta en 1997. Está dedicada a la Virgen de la Hiniesta Gloriosa (Sevilla). Esta marcha originalme nte fue instrumentada por Guillermo Fernández Ríos, aunque actualmente el propio Marvizón la ha revisado y la ha reinstrumentado él mismo.

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Esperanza (Manuel Marvizón Carvallo)

Marcha compuesta en 2001, está dedicada a Esperanza Macarena (Sevilla). Está instrumentada por Jorge Manuel Gómez González.

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Coronación de la Macarena (Pedro Braña Martínez)

Marcha con cornetas para una coronación compuesta en 1964, está dedicada a la Esperanza Macarena.

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Cádiz Cofrade (Abel Moreno)

Marcha compuesta en 1995 dedicada a las Hermandades de Cádiz.

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A ti... Manué (Juan José Puntas Fernández)

Compuesta en 1990. Inicialmente estaba dedicada a su padre. Posteriormente, decidió dedicársela igualmente a la Hermandad de los Gitanos, a petición de un amigo del autor. Por tanto tiene esta doble dedicatoria. Es una marcha muy interpretada úlitmamente, donde destaca el solo de trompeta.

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Rocío (Manuel Ruíz Vidriet)

Marcha de gloria dedicada a la Virgen del Rocío de Almonte (Huelva).

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Pasa la Virgen Macarena (Pedro Gámez Laserna)

Compuesta en 1959, está dedicada a la Esperanza Macarena.

Los Manuel López Farfán, Emilio Cebrián o Mas Quiles ya dejaron prueba inequívoca de su sello en el acervo musical de la hermandad de la Macarena. Pero d. Pedro, a su llegada al Soria 9 y ante el ensimismamiento que tuvo que suponer ver pasar a la Macarena, consiguió reflejar en la partitura la exégesis de un palio andando, en movimiento, a la que habría de bautizarla en 1959 con el nombre de “Pasa la Virgen Macarena”. Con cada interpretación de esta marcha, y de primer plano el incomparable y mayestático palio de la Esperanza Macarena, toma fuerza esa frase célebre que Stravinski dejó para la posteridad. Porque nada más entrar las cornetas en el inicio de la marcha ya estaremos escuchando lo que vemos, y viendo lo que escuchamos.
Toda una cátedra de cómo hacer música para un palio y para eso no había ni hay mejor lugar que Sevilla y el palio modélico por excelencia. D. Pedro tuvo las ideas muy claras. Tomó el modelo sancionado por Farfán en “La Estrella Sublime” (1925) y lo amoldó a su estilo personalísimo, que ya en Córdoba había cobrado relieve con la sensacional “Saeta Cordobesa”. Tanto en la introducción de la marcha, como en el tema principal, la participación de las cornetas enfrascadas en el do mayor de la música no solamente se limita a otorgar un complemento y subrayado brillante de la marcha, sino a dominar melódicamente la misma y constituirse en un plano sonoro superior incluso al entramado melódico de las maderas.
El pasaje central, donde supuestamente iría el fuerte de bajos, es un alarde armónico donde los metales recitan una línea melódica suave y relajada, sustentada sobre arpegios de la madera. Retomado el tema principal, y tras unos compases de modulación, la marcha llega al trío final en fa menor que es otro elogio a la armonía y el equilibrio, al lirismo y al embrujo propios del palio de la Macarena. En su primera interpretación la melodía es regida de forma especial por el viento metal, con el acompañamiento en su función rítmica de clarinetes y saxos. La segunda repetición es una superposición de clarinetes principales, requintos y flautas al plano sonoro anterior, en la que se dibuja una melodía con atisbos de saeta, una de las muchas que se ofrendan a la Madre de Dios en la madrugá sevillana.
Recientemente la Banda Sinfónica Municipal de Sevilla, bajo la dirección de Fco. Javier Gutiérrez Juan, incansable investigador y buceador de archivos musicales, la ha grabado con la repetición del trío final –cosa que no se da en numerosísimas interpretaciones- y a un tempo rápido y vertiginoso, respondiendo así al gusto y voluntad del autor de la obra y apoyándose para ello en documentos sonoros, así como testimonios orales. Con este registro en el disco “Versión Original” podemos seguir gozando de las bondades de “Pasa la Virgen Macarena” y su portentoso comienzo entre cornetas y semicorcheas de clarinetes. La máxima expresión de esta marcha la encontramos aquí, en “Versión Original”. Todos los medios, y los mejores, al alcance del oyente y cofrade. O lo que es lo mismo decir: d. Pedro Gámez en estado puro sorprendiéndonos por sus complejas concepciones armónicas y melódicas, amén de unas velocidades de ejecución que explican razonadamente el porqué de diversas características de sus marchas que con ese tempo precisamente adquieren su verdadero significado y efecto.
El tiempo pasará y la banda que adorna con sus sones el discurrir de la Macarena por Sevilla, el Carmen de Salteras, seguirá ofreciéndonos con cada interpretación el milagro de “Pasa la Virgen Macarena”. Esa marcha que un día firmó d. Pedro Gámez rememorando a la Macarena pasar ante sus ojos y que, por si fuera poco, inspiró al alumno de éste cuando por la Campana fue testigo del pasar de Ella con su primoroso palio. Ella siempre pasando por Sevilla entre fulgurantes marchas.

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Victoria y Paz (Pedro Gámez Laserna/Juan Antonio Sánchez Sellés)

Marcha con cornetas compuesta en 1958, está dedicada a la Hermandad de la Paz (Sevilla).

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Madre Hiniesta (Manuel Marvizón Carvallo)

Marcha compuesta en 1997, está dedicada a la Virgen de la Hiniesta (Sevilla). Está instrumentada por Juan José Puntas.

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Virgen de la Palma (Manuel Marvizón Carvallo)

Compuesta en 2004. Está dedicada a la Virgen de la Palma (Hdad. del Buen Fin, Sevilla)

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Mektub! (Mariano San Miguel Urcelay)

Marcha fúnebre compuesta en 1925.

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Santa Cruz (Manuel Marvizón Carvallo)

Marcha compuesta en 2003, está dedicada a la Hermandad de Santa Cruz.

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Candelaria (Manuel Marvizón Carvallo)

Es una de las más bellas y completas del antiguo Marvizón. Dedicada a la Virgen de la Candelaria de la hermandad del mismo nombre de Sevilla, esta marcha está instrumentada por D. Pedro Morales y creo que se estrenó en un pregón de esta hermandad y además la encargó Carlos Herrera para el Pregón de la Semana Santa de Sevilla que él mismo iba a proclamar, para que se la dedicara a su Virgen de la Candelaria.

http://www.bandadelaesperanza.com/Conciertos/cuaresma07/B.M.Esperanza-02%20Candelaria(M.%20Marvizón).mp3

Virgen de la O (Manel Marvizón Carvallo)

Marcha compuesta en 2007, está dedicada a la Hdad. de la O (Sevilla).

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Virgen de las Mercedes (Manuel Marvizón Carvallo)

Marcha compuesta en 2006, está dedicada a la Hdad. de Santa Genoveva (Sevilla).

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Pasodobles

A mi Madre (Roque Baños)

Espléndido pasodoble de concierto para banda sinfónica.

http://www.fonoteca.cibm-valencia.com/mp3/0315/01.mp3

Lagartijilla (José Martín Domingos)


Clásico del pasodoble español. Fue estrenado por la Banda Juvenil del Colegio de San Fernando, escuchándose por primera vez, el día 26 de abril de 1909, con ocasión de la corrida celebrada en la vieja y ya desaparecida plaza de toros madrileña de la carretera de Aragón, en la que habría de intervenir, lidiando toros de la ganadería de Concha y Sierra, los diestros, Vicente Pastor, Rafael Gómez, "El Gallo" y el mexicano Rodolfo Gaona. El estreno de tan original, brillante y garboso pasodoble está salpicado de tristeza. Tiene un sorprendente y trágico final. Fernando Romero, "Lagartijilla", al intentar clavar el primer par de banderillas al sexto toro de la tarde, aprésese que se quedó en la suerte y al pretender salir de ella, tropezó y cayó al suelo, incorporándose tan rápido como le fue posible, momento en que el toro le asestó una horrible cornada en el cuello. Una violenta y patética convulsión evidenció los momentos finales del joven e infortunado rehiletero. El maestro Martín Domingo, profundamente impresionado y afectado por la muerte del entusiasta diestro y amigo, y como homenaje a su persona, decidió retirar del repertorio musical el pasodoble tan trágicamente estrenado y a no autorizar su interpretación durante algún tiempo. Y así, el pasodoble "Lagartijilla" permaneció oculto en casa del autor durante más de tres años, para ser reestrenado el 25 julio de 1912, cuando a instancia de varios compañeros fue de nuevo interpretado en el madrileño Parque del Retiro por la Banda Municipal de Madrid, a la sazón dirigida por el maestro D. Ricardo Villa.

http://www.fonoteca.cibm-valencia.com/mp3/0511/01.mp3

Martín Agüero (José Franco)

Pasodoble escrito por José Franco como homenaje al matador Martín Agüero, para celebrar su éxito en la feria de Logoró del año 1925.

http://www.fonoteca.cibm-valencia.com/mp3/0702/04.mp3

Camino de rosas (José Franco)

Majestuoso pasodoble taurino del maestro J. Franco.

http://www.fonoteca.cibm-valencia.com/mp3/0701/01.mp3

Música i Poble (Ferrer Ferran)

Pasodoble compuesto para conmemorar el número 100 de la revista “Música i Poble” que edita la Federación de Sociedades Musicales de la Comunidad Valenciana.
Un pasodoble típico valenciano con una evolución armónica, lo convierte en una obra colorista y original que, con la cadencia de la trompeta, le da una personalidad de carácter español, pudiéndose así interpretar tanto en concierto como en los típicos pasacalles de las tierras valencianas.

http://www.fonoteca.cibm-valencia.com/mp3/0508/01.mp3

Alma de Toro (Chinesta H.M.)

Un homenaje a ‘lo español’ simbolizado por el toro. Hugo M. Chinesta ha conseguido unas melodías y armonías ‘frescas’ conservando, con ingenio, el carácter y la forma del tradicional pasodoble español.

http://abmusica.es/Demos/sound/Alma.de.Toro.wma

El torico de la cuerda (Luis Serrano Alarcón)

Obra encargada por el Ayuntamiento de Chiva (Valencia) para el acto de inauguración del I Congreso Nacional de Toro de Cuerda. Fue estrenada en el Teatro Astoria. Chiva. Valencia. 14 de Agosto de 2002. Banda de la S. M. La Artística de Chiva.

http://www.serranoalarcon.com/mp3/El%20Torico%20de%20la%20Cuerda.mp3

Evocación (Emilio Cebrián Ruiz)

Hermosísimo pasodoble-marcha del gran maestro E. Cebrián Ruiz.

http://www.fonoteca.cibm-valencia.com/mp3/8803/01.mp3

Cielo Andaluz (Pascual Marquina Narro)

Extraordinario pasodoble de concierto.

http://www.fonoteca.cibm-valencia.com/mp3/0706/04.mp3

César Jiménez (Eugenio Gómez García)

Pasodoble taurino dedicado al matador César Jiménez por su arte, valentía y embrujo torero. Este pasodoble ha sido estrenado el día 30 de Noviembre del 2003 en El Tiemblo (Avila) y Olmedo (Valladolid) por las Bandas de Música de El Tiemblo y la AMI (Asociación Musical Iscariense) de Iscar (Valladolid).

http://www.elrincondelpasodoble.com/mp3/CesarJimenez.rm

Islas Canarias (José María Tarridas)

El Pasodoble Islas Canarias fue un himno no oficial de las Islas Canarias que se utilizaban todos los actos oficiales y no oficiales, y con el que se concluía todas las fiestas, pero con la implantación de una variación del Arrorró, como Himno oficial de Canarias en 2003, se ha dejado de utilizar en los actos oficiales, no así en los populares que aún se sigue con el pasodoble. Es el que utilizan los isleños en sus países de adopción cuando celebran un acto en la Casa de Canarias de su ciudad.
La música del Pasodoble Islas Canarias fue compuesta por el compositor catalán José María Tarridas, a la que el valenciano Juan Picot le añadió la letra y el grupo folclórico canario Los Sabandeños varió dicha letra y propagó este himno popular no sólo por las Islas Canarias sino en los países donde este grupo actuaba. Tal era la importancia del Pasodoble como himno que en ocasiones en que se hacían actos públicos con presencia de españoles y la mayoría de la colonia española en el país era canaria se llegó a interpretar esta composición en lugar del Himno nacional (Marcha Granadera). Así ocurrió en la Plaza de toros de Caracas, o en un acto celebrado en la Habana, en la década de los 20 y 40 (respectivamente), del pasado siglo.

http://www.fonoteca.cibm-valencia.com/mp3/0417/05.mp3

Tercio de quites (Rafael Talens)

Pasodoble que ha dado la vuelta al mundo y el cual es sin duda el más conocido de R. Talens

http://www.fonoteca.cibm-valencia.com/mp3/0614/01.mp3

Puenteareas (Reveriano Soutullo)

Gran pasodoble gallego.

http://www.fonoteca.cibm-valencia.com/mp3/0506/01.mp3

Doña Lola (Francisco Grau Vegara)

http://fonoteca.cibm-valencia.com/mp3/0705/04.mp3

Sofía Grau (Francisco Grau Vegara)

http://fonoteca.cibm-valencia.com/mp3/9828/01.mp3

Levante (Mariano Puig)

http://fonoteca.cibm-valencia.com/mp3/0703/01.mp3

Yakka (José Rafael Pascual Vilaplana)

El pasodoble YAKKA (Yecla en árabe) compuesto en 2007 es un encargo de la Banda de música de Yecla para su interpretación en el Certamen Internacional de Bandas de Música de Valencia.

http://fonoteca.cibm-valencia.com/mp3/0705/01.mp3

Pla Ventura (Vicente Ivorra)

Pasodoble torero compuesto en 2002. El pasodoble torero “Pla Ventura” nació de las manos y sentidos de ese gran músico alcoyano que es Vicente Ivorra Pujalte. Habría que resaltar que, Ivorra, estuvo casi tres décadas al frente de la banda de música denominada Sociedad Musical La Magdalena, en IBI, Alicante. En dicha banda, por pura afición, Luís Pla Ventura, presidente de la entidad y clarinete de esta agrupación musical, compartió, en calidad de alumno y músico instrumentista, todo el tiempo que Vicente Ivorra estuvo al frente de la citada banda. Entre ambos, obviamente, nació una bella amistad que, el paso de los años, no ha logrado mitigar.
Ciertamente, en todos aquellos años, incluso en la actualidad, Luís Pla Ventura ejerce sus funciones como comentarista taurino en calidad de crítico y periodista de dicha materia. Indudablemente, la afición a los toros por parte de Pla Ventura era algo innato en su persona, de ahí, su adestramiento en el mundo del periodismo. Siendo así, Luís Pla, en todos estos años pudo conocer a todas las personalidades del mundo del toro, gozando de la amistad de muchos de sus hombres y mujeres, siendo, el primer eslabón en su corazón, la figura y obra del recientemente fallecido Matías Prats que, como se sabe, sentía especial devoción por la figura de Luís Pla, hasta el punto de que, uno de sus libros, RETAZOS DE MI GENTE, tuvo la fortuna de ser prologado por el citado Matías Prats.
Motivos de trabajo por parte de Luís Pla y, jubilación por parte de Ivorra Pujalte, coincidieron en que, ambos, abandonaran la citada agrupación musical. Todo esto ocurría hace cinco años y, una tarde de verano, como agradable sorpresa, se presentó el maestro Ivorra en el despacho de Luís Pla y, en aquel acto, le hizo entrega de las partituras del pasodoble que lleva sus apellidos, “Pla Ventura”. Corría el verano del año 2003 y, en ese mismo tiempo, es decir, el 20 de octubre, la banda Sinfónica de Alicante, lo estrenaba en la capital levantina bajo la sabia batuta de Bernabé Sanchís Sanz que, en honor a la verdad, Bernabé, en tan bella ocasión, le cedió la batuta al maestro Ivorra Pujalte. Al año siguiente, el 25 de mayo de 2003, la Banda Sinfónica de Madrid, estrenaba “Pla Ventura” en la capital de España y, tras estos estrenos, distintas bandas de España y de todo el mundo, han interpretado esta bellísima pieza que, Vicente Ivorra Pujalte supo componer a golpes de corazón para un amigo querido

http://www.elrincondelpasodoble.com/mp3/PlaVentura.mp3


Maestro Eugenio Gómez (Turio Gagliardo)

Pasodoble de concierto dedicado al maestro abulense Eugenio Gómez García.

http://www.elrincondelpasodoble.com/mp3/EugenioGomez.mp4

La flor del Taronger (Miguel Asins Arbó)

http://www.fonoteca.cibm-valencia.com/mp3/9725/06.mp3

Recordando a un amigo (Paulino Martí Pope)

Excelente pasodoble.

http://www.fonoteca.cibm-valencia.com/mp3/0702/01.mp3

Monóvar (Miguel Villar)

Magnífico pasodoble de concierto compuesto para el pueblo valenciano de Monóvar.

http://www.fonoteca.cibm-valencia.com/mp3/0704/01.mp3

Obras de concierto

Autum leaves (J. kosma / J. Prevezt)

Las Hojas Muertas es una canción francesa muy conocida que fue interpretada por innumerables artistas, desde su creación (1945) hasta la actualidad (principios del siglo XXI), su título original es “Les feuilles mortes” (letra de Jacques Prévert, música de Joseph Kosma) y fue grabada por muchos cantantes franceses como, por ejemplo, Dalida, Juliette Gréco, Patricia Kaas, Yves Montand o Édith Piaf. También hay muchísimas versiones, en otros idiomas, interpretadas por cantantes de distintos géneros musicales como Andrea Bocelli, Eva Cassidy, Plácido Domingo, Stanley Jordan, Nat King Cole, Ute Lemper, Frank Sinatra, Barbra Streisand y Roger Williams , entre otros. También son muy numerosas las versiones instrumentales, principalmente porque la música del estribillo se convirtió en un tema clásico dentro del repertorio de los músicos de jazz, con el título de Autumn Leaves (hojas de otoño). Entre estos últimos figuran Chet Baker, Miles Davis, Duke Ellington y Stéphane Grappelli, entre otros muchos.
La siguiente grabación muestra esta obra en un arreglo para banda.

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Armenian dances (Alfred Reed)

Armenian Dances - Parte 1
En su armenio Dances, Alfred Reed ha capturado a muchos de los estilos, ritmos y sutilezas de la armenia canciones y danzas folclóricas. Parte I, concluido en 1972, se basa en cinco auténticos armenio folksongs extraídas de la gran colección de Gomidas Vartabed (1869 - 1935). Gomidas se ha acreditado como el fundador de la música clásica armenia por su trabajo en la preservación y documentación de más de cuatro mil canciones. . La apertura El Apricot Tree es una canción sentimental, con un comienzo declamatorio. El Partidge fs Song es una canción original por Gomidas. Su sencilla, delicada melodía fue destinado a un coro de niños y fs es un símbolo de que las aves fs diminutos pasos. Un joven canta las alabanzas de su amada (llamado Nazan) en el bonito, animada canción de amor Hoy, Mi Nazan. Esto es seguido por Alagyaz, que es el nombre de una montaña en Armenia representado por una amada canción folclórica que es tan majestuosa como la montaña en sí misma. Parte I termina con un delicioso humor y risa - canción Go, Go! Con una aceleración y exicting ritmo.

http://fonoteca.cibm-valencia.com/mp3/0501/03.mp3

Armenian Dances - Parte II
Es una colección histórica de algunas de las canciones más populares de todos los tiempos incluidos "Hove Arek - The Peasant's Excepción", "Khoomar - Wedding Dance" y "Lorva Horovel - Songs From Lori". Sobre la base de la obra completa de Gomidas Vartabed, usted estará seguro de disfrutar de esta pieza, ya que le lleva en un viaje musical a través de la historia de la música folklórica de América. Esta música es una joya, y debería ser parte de su banda el rendimiento de la biblioteca!

http://fonoteca.cibm-valencia.com/mp3/0308/04.mp3

Obertura 1812 (Piotr Ilich Chaikovski)

La solemne Obertura 1812, Op. 49 es una obra orquestal realizada por el compositor ruso Piotr Ilich Chaikovski (1840-1893), compuesta entre septiembre y octubre de 1880. Su programa describe la victoria de Rusia en las guerras napoleónicas. Se estrenó en la catedral de Cristo el Salvador (Moscú) el 20 de agosto de 1882. En 1881 esa Iglesia fue consagrada para celebrar la Victoria rusa, y esta obra fue concebida para conmemorar los festejos por tal motivo. Los tempos del único movimiento de esta obra son Lento - Andante - Allegro giusto - Largo y Allegro vivace.
La pieza comienza con una melodía religiosa de la iglesia ortodoxa rusa, la Plegaria al Salvador, que recuerda cómo la declaración de guerra contra Francia fue notificada al pueblo en los servicios religiosos de toda Rusia. Es inmediatamente seguida por un cántico solemne de deseo de victoria. Estos anuncios y la reacción del pueblo están reflejados en la novela Guerra y paz, de Lev Tolstói (que también describe la batalla de Borodino (el 7 de septiembre de 1812), donde Napoleón Bonaparte vence a las fuerzas rusas e invade Moscú).
La pieza continúa con una marcha presentada por los cornos, donde se oye cargar a los ejércitos. El himno nacional francés, La Marsellesa sirve para denotar el carácter francés del ejército invasor y la victoria de Napoleón sobre los rusos. Un tema folclórico ruso conmemora la batalla donde los moscovitas vencen a Napoleón. La retirada de Moscú (a fines de octubre de 1812) está reflejada por un diminuendo en la música.
El fuego de los cañones muestra el avance de los rusos casi hasta las fronteras del imperio francés. Al final del conflicto se oyen campanas y fuegos artificiales por la victoria y liberación de Rusia de la ocupación francesa. Por debajo de los cañones y los cornos se oye el himno nacional ruso: Dios salve al zar. Este himno ruso es un contrapunto del himno francés que se escuchó antes.
Esta obertura muestra un anacronismo curioso, ya que ni La marsellesa ni Dios salve al zar eran en 1812 los himnos de Francia y Rusia respectivamente, sino que lo eran en la época en la que Piotr Ilich Chaikovski compuso la obra.
Al estar considerada como música programática, se ha llegado a interpretar en numerosas ocasiones con cañones reales, en sustitución a los timbales y otros instrumentos de percusión para los que en realidad Chaikovski compuso la obra.
La Obertura 1812, es usada en la banda sonora de la pelicula V de Vendetta.
La siguiente grabación es un arreglo para banda.

http://www.fonoteca.cibm-valencia.com/mp3/0701/03.mp3

El camino real (Alfred reed)

Compuesto durante el segundo semestre de 1984, terminó a principios de 1985, lleva el subtítulo: A Latin Fantasy. La música se basa en una serie de progresiones de acordes comunes a innumerables generaciones de guitarristas flamencos españoles, cuyo ardiente y brillante estilo de juego han cautivado a millones de aficionados a la música en todo el mundo. Estas progresiones y la consiguiente clave de las relaciones se han vuelto prácticamente sinónimo de lo que consideramos ser el verdadero idioma español. Junto con las melodías folclóricas que se ha puesto de relieve, en parte derivadas de un procedimiento conocido a músicos como el "melodizing de armonía", que han creado un amplio cuerpo de lo que la mayoría de la gente consideraría auténtita música española. La primera sección de la obra se basa en la forma de baile conocido como la Jota, mientras que la segunda, en contraste sección se deriva del Fandango, aquí alternando considerablemente en el tiempo y el ritmo de su forma habitual. En general, la música tradicional sigue un patrón de tres partes: rápido - lento - rápido.

http://ww.fonoteca.cibm-valencia.com/mp3/9504/04.mp3

Nostradamus (Otto M. Schwarz)

Fantasía utilizada en la película dedicada al famoso profeta Nostradamus, dirigida también por O. Schwarz.

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Crazy music in the Air ( Jacob de Haan)

Esta composición en dos partes es una de las primeras obras de Jacob de Haan publicado para concierto de banda. Algo bajo la influencia de Ted Huggen´s Coral y Rock Out, ha sido un éxito extraordinario hasta el momento. La primera parte (Air) consta de una melodía barroca, con el apoyo de un ritmo en la batería. La segunda parte (Crazy Music) es una de swing bossa nova, en la que diversos grupos de instrumentos se presentan continuamente en los diversos temas. La famosa Black Dycke Mills Band ha contribuido al éxito de Crazy Music in the Air regularmente por poner la pieza en sus programas de gira.

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En un lugar de la Mancha (Ferrer Ferran)

Suite Española en Cuatro Movimientos:
I.- Cervantes. II.- Sancho Panza. III.- Don Quijote y Dulcinea del Toboso. IV.- Rocinante.
El Quijote es la obra maestra de Cervantes y una de las más admirables creaciones del espíritu humano. Es una caricatura perfecta de la literatura caballeresca, y sus dos personajes principales, Don Quijote y Sancho Panza, encarnan los dos tipos del alma española, el idealista y soñador, que olvida las necesidades de la vida material para correr en pos de inaccesibles quimeras, y el positivista y práctico, aunque bastante fatalista.
Su condición de caballero le impone a Don Quijote la obligación de entronizar en su corazón una gran dama en cuyo servicio serán todas sus andanzas de caballerías. No habiendo en la realidad nada que requiera los servicios de la caballería, a nuestro caballero no le queda más servicio que el de su dueña, la sin par Doña Dulcinea del Toboso.
Rocinante, el caballo de don Quijote, asume una actitud gráfica representando la dignidad, nobleza, solidaridad, consecuencia.
Esta Composición está dedicada a la Banda de la Agrupación Musical “Maestro Martín Díaz” de Argamasilla de Alba y a su Director Titular Miguel Carlos Gómez Perona por su gran labor pedagógica y cultural que realizan, promoviendo lo que mejor saben hacer: “BUENA MÚSICA”.

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Reflections of This Time (Ted Huggens)

Música descriptiva.

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West side story (Leonard Bernstein)

Es uno de los musicales más famosos del cine. Está basado en la obra de teatro Romeo y Julieta de Shakespeare. Con música compuesta por Leonard Bernstein, ganó diez Oscar, a la mejor película, al mejor director, al mejor actor de reparto (George Chakiris), a la mejor actriz de reparto (Rita Moreno), a la mejor dirección artística, a la mejor música, a la mejor fotografía, al mejor sonido, al mejor vestuario, y al mejor montaje, y fue nominada al mejor guión adaptado.

La partitura de West Side Story fue orquestada por el propio Bernstein, con la ayuda de Sid Ramin e Irwin Kostal. El número de músicos requerido para una interpretación apropiada de la pieza está entre los más altos del repertorio de teatro musical. La partitura necesita de cinco instrumentistas de viento-madera (cada uno encargado de varios instrumentos), siete metales, cinco percusionistas, un teclista, un guitarrista y doce instrumentistas de cuerda. En total, son necesarios 30 músicos para interpretar la partitura tal cual fue escrita por el compositor.

Su estilo musical se basa en el jazz duro de bing-band y música latina-beat como el mambo.

http://www.fonoteca.cibm-valencia.com/mp3/9121/02.mp3

Concierto de Aranjuez - Adagio (Joaquín Rodrigo Vidre)

Escrito en 1939 el Concierto de Aranjuez fue inspirado y escrito para los jardines del Palacio Real de Aranjuez, la residencia primaveral del rey Felipe II en la segunda mitad del siglo XVI, y posteriormente reconstruido a mediados del siglo XVIII por Fernando VI. La obra intenta transportar al oyente a los sonidos de la naturaleza de otro lugar y otro tiempo.

El segundo movimiento es el más conocido de la obra y dicen que fue inspirado por el bombardeo de Guernica que sucedió en 1937.

http://www.fonoteca.cibm-valencia.com/mp3/9622/03.mp3

Interplay for band (Ted Huggens)

http://www.fonoteca.cibm-valencia.com/mp3/8823/02.mp3

Estampas de la liguria (Rafael Garrigós)

Para banda de concierto:

I. El Encuentro 1:50
II. Paseo por la Ciudad de la Luz 1:50
III. Leyenda 3:40
IV. Marcha de los Ligurienses 2:25

I.- El Encuentro. Encuentro con los amigos de Recco, ciudad del noroeste de Italia situada en la región de “La Liguria”, a orillas del Golfo de Génova.

http://abmusica.es/Demos/sound/I.El.Encuentro.1-50.R.Garrigos-Concert.Band.Wind.Orchestra-www.abmusica.es.wma

II.- Paseo por la Ciudad de la Luz. Camino de la maravilla natural de Portofino, visitamos algunas de las ciudades más alegres y bulliciosas del la región, disfrutando de su especial luminosidad y colorido.

http://abmusica.es/Demos/sound/II.Paseo.por.la.Ciudad.de.la.Luz.1-50.R.Garrigos-Concert.Band.Wind.Orchestra-www.abmusica.es.wma

III.- Leyenda. En Sestri Levante se encuentra situada la Chiesa de S. Nicoló, una iglesia del año 1000 cargada de historia y leyendas.

http://abmusica.es/Demos/sound/III.Leyenda.3-40-R.Garrigos-Concert.Band.Wind.Orchestra-www.abmusica.es.wma

IV.- Marcha de los Ligurienses. Recorriendo algunos de los escarpados lugares de la costa del Golfo de Génova, sus habitantes marchan con paso firme y ritmo constante, balanceándose ligeramente durante su marcha.

http://abmusica.es/Demos/sound/IV.Marcha.de.los.Ligurienses.2-25.wma

Malagueña (arr. Sammy Nestico)

Excepcional arreglo para banda de la malagueña de Enesto Lecuona.

http://www.fonoteca.cibm-valencia.com/mp3/9923/04.mp3

The heart of Lithuania (Jacob de Haan)

Lituania, el mayor de los tres países bálticos, ha sido bendecido con un rico patrimonio cultural. Aunque relativamente pequeña en términos de territorio, Lituania tiene cinco regiones etnográficas: _emaitija (Samogitia), Auk_taitija (los Altos), S_duva, Dz_kija, y Lituania Menor. Cada una de estas regiones se caracteriza por su propio dialecto, trajes folclóricos, costumbres, la artesanía, y las celebraciones anuales. Lo que es más importante, cada región tiene sus propias canciones folklóricas, algunas de las cuales se han cantado durante casi mil años. El compositor Jacob de Haan ha basado El Corazón de Lituania en cinco melodías folk, que llegaron a ser especialmente populares en la segunda mitad del siglo 20. Si bien las cinco canciones se originaron en la región, son amadas en toda Lituania, y en la actualidad son cantadas por los jóvenes en las ciudades, pueblos y aldeas por igual. Las siguientes son las canciones que aparecen en este trabajo: Por Klausu_i_ ulyt_l_ (Klausu_i_ Cruce de la calle) es una canción sobre las tareas cotidianas y las amistades juveniles. En la canción Augo girioj __uol_lis (El Joven Roble Creció en el Bosque) es un joven frente a un roble. El padre preocupado, por si su hijo llega a ser un soldado o un campesino. Del mismo modo, es una niña frente a un tilo. La madre se preocupa, si su hija llega a ser una bailarina o una tejedora. Durante el período de la ocupación soviética, esta se convirtió en una canción patriótica especialmente popular, probablemente debido a la simbología del joven lituano chico, creciendo tan fuerte como un roble, y el sentimiento expresado por su padre "no necesito un soldado…" El tema de _veng _irgelis lankoj (The Horse Neighing en la Pradera) es sobre el despertar de amor entre un niño y una niña. Se reúnen en la pradera para hablar sobre lo que sienten el uno por el otro. Saulut_ nusileido (The Sun Has Set) fue la canción más popular del siglo 20 en Lituania. Es una canción de la melancolía que transmite la historia de una niña por la añoranza hacia su novio. Tykus vakars ser v_jo (A Quiet Night Windless) que se conoce en toda la de Lituania, pero sobre todo en los habitantes de Auk_taitija región. En una noche de viento un se joven perdió la búsqueda de un semental. En cambio, conoce a una joven. Mientras que un ruiseñor canta, se presenta con una propuesta de matrimonio. La elección y la diversidad de emociones - ya determinada en gran medida por la melodías características - llevan al oyente directamente al corazón del pueblo lituano.

http://jacobdehaan.sharedfolder.net/Lithuania%201.mp3

http://jacobdehaan.sharedfolder.net/Lithuania%202.mp3

La del soto del parral (R. Soutullo y Vert)

Es una de las zarzuelas más importantes y completa del repertorio lírico español. Está estructurada en dos partes, y la música es de R. Soutullo y Vert. La siguiente grabación es un arreglo para banda.

http://www.fonoteca.cibm-valencia.com/mp3/0620/02.mp3

La leyenda del beso (R. Soutullo y Vert)

Compuesta en 1924. Es una zarzuela complicada pero preciosa, entretenida y dramática a la vez.

http://www.fonoteca.cibm-valencia.com/mp3/9620/04.mp3

Free world fantasy (Jacob de Haan)

Esta pieza fue encargada por la provincia holandesa de Groningen para las celebraciones en conmemoración de la liberación en 1987. En la composición, se refleja el sueño de un mundo sin guerra. Es la primera composición de una serie en la que Jacob de Haan combina la música con el estilo pop, que recuerda a uno a la música de películas. Más tarde composiciones en la que ha cosechado mucho éxito con la misma fórmula de estilo son Oregon, La Storia y Utopía.

http://www.fonoteca.cibm-valencia.com/mp3/9522/06.mp3

La boda de Luis Alonso (Gerónimo Giménez)

Estrenada el 27 de enero de 1897, en el Teatro de la Zarzuela, de Madrid.

La boda de Luis Alonso o La noche del encierro, Sainete lírico en un acto.

http://www.fonoteca.cibm-valencia.com/mp3/0719/06.mp3

Mar i Bel (Ferrer Ferran)

Composición para Banda escrita en 1999.
Obra dedicada y realizada para homenajear a José Tarazona por todas las ayudas que ofrece a la Sociedad Musical Banda Primitiva de Paiporta en la cual es director titular Ferrer Ferran.
De un juego de palabras nace “Mar i Bel”, fantasía española, haciendo mención al nombre de la esposa del Sr. Tarazona, combinando el Mar con la belleza y el Sol de la tierra española.
La composición ofrece un combinado de ritmos típicos de España. Comienza la obra con la tradicional Malagueña, folclore de Málaga, palmas típicas de los gitanos y jolgorio acompañando a la cantaora que viene descrita por un gran solo de trompeta a modo de Copla. Durante la obra aparecen breves toques recordando a las jotas de Aragón. Toda la sección lenta es un canto en forma de Albaes, danza lenta que utiliza el cantaor para seducir a una persona, típicas de Valencia.
Toda la música describe la alegría e ilusión de las gentes que habitan ésta tierra de España donde tanto brilla el Sol y tanto sonido ofrece el claro Mar.

http://www.fonoteca.cibm-valencia.com/mp3/0521/04.mp3

Utopía (Jacob de Haan)

Utopía es el nombre de un libro escrito por el autor Inglés Thomas More, publicado en 1516. El título es una palabra más por el pensamiento propio, después de la lengua griega, que significa "Nowhereland", y que conduzce a la invención de las palabras utópicas de régimen utópico. Utopía foto de un estado ideal en una isla lejos de los núcleos habitados del mundo. Esta idea fue la base de la composición. Se hace pensar de Oregon en variedad de temas y de estilo. También existe la utopía de una combinación de estilos que respira la atmósfera de la música de películas. La lenta parte media, está más cerca del romanticismo europeo: el acorde de señales de los bajos da a recordar sobre la música de Wagner.

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Côte d'Or (Ferrer Ferran)

La "Côte d’Or" (Costa de Oro) es una zona de Francia rica por su belleza natural y por los productos que brindan sus tierras.
Es una suite en tres movimientos en la que se utiliza el mismo tema como frase para la composición de todos ellos.
I.- DIJON
Una ciudad con una gran majestuosidad. En este movimiento se presenta el tema principal que servirá como conductor de toda la obra. De una forma solemne se describe la belleza de todos los grandes monumentos de la ciudad.
II.- LA BOURGOGNE, l’art et le plaisir de vivre
Una ruta donde los grandes campos de viñas rodean esta zona de Francia, obteniendo así una gran producción de vinos.El sonido de la flauta recorre, a modo de marcha ligera, los caminos que envuelven las grandes viñas, donde miles de hectáreas de viñedos verdes llegan a producir una sensación de "paz".
III.- CHALON DANS LA RUE
Una introducción expresiva describe el transcurso del río Saône, que atraviesa toda la ciudad. Y comienza la fiesta, el gran desfile del verano como si de un carnaval se tratara. Pitos, bocinas, confeti, disfraces, jolgorio, bufones, carcajadas, todo un festín donde la gente sale a la calle convirtiéndose en la principal protagonista.

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El fantasma de la ópera (Andrew Lloyd Webber)

Es una obra de teatro musical compuesta en 1986, está basada en la novela de Gaston Leroux.

Lleva el record de ser la obra creativa que ha ganado más dinero con tres mil millones de dólares en ventas.

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Emancipation Blues (Oliver Nelson)

Espléndida obra de big-band.

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Praise Jerusalem (Alfred Reed)

Obra Sinfónica compuesta el 1986 y que consta de una introducción, cinco variaciones y final sobre un himno de pascua ameno.

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Lonchivar (James Curnow)

Poema sinfónico para banda.

http://fonoteca.cibm-valencia.com/mp3/0009/02.mp3

Los preludios (Franz Liszt)

Los Preludios fue terminada en 1851, aunque se había creado varios años antes. Liszt dirigió la Orquesta de la Corte de Weimar en el estreno que se realizó el 23 de febrero de 1854. El poema tonal más famoso de Liszt recibió su nombre por una obra de 375 líneas publicada en 1823 por el poeta francés Alphonse de Lamartine. A pesar del título y a pesar de que Liszt había subtitulado a su composición Según Lamartine, durante mucho tiempo se creyó que la música no tenía nada que ver con el poema.
La razón de la confusión se relaciona con el origen de la música, como conjunto de cuatro piezas para coro masculino, compuesto para la poesía no de Lamartine sino de un oscuro poeta llamado Joseph Autran. Estos coros, llamados los Cuatro Elementos, comparten material temático con los Los Preludios. Pero como lo ha señalado el musicólogo Alexander Maine, este hecho sólo demuestra la relación del poema tonal con los versos de Autran, no su falta de relación con el poema de Lamartine. Verdaderamente, parte del material temático de los Cuatro Elementos no fue compuesto originariamente ni para las líneas de Autran ni para las de Lamartine. Por ejemplo, el penetrante motivo de tres notas que se escucha primero en el tercer compás de Los Preludios fue utilizado en por lo menos otras tres obras de Liszt y tambien abre el final del último cuarteto para cuerdas de Beethoven. César Franck lo usó de modo destacado en su Sinfonía en Re menor. También la gentil llamada del corno en Los Preludios, utilizada asimismo en uno de los coros de Autran, tiene su origen en una ópera de Donizetti.Liszt compuso el primero de los cuatro coros para un concierto que se realizó en Marsella, en 1844. Los coros restantes fueron escritos algo más tarde y quizá jamás hayan sido interpretados durante la vida del autor. En 1848 el socio de Liszt, August Conradi, orquestó los acompañamientos y Liszt le escribió al poeta Autran diciéndole que tenía la intención de hacer un prólogo del conjunto con una amplia obertura. No está claro si esta obertura fue verdaderamente compuesta o no, pero Joachim Raff afirmó haber orquestado en 1850 una obertura de Liszt llamada Los Cuatro Elementos. Por entonces Liszt se sentía profundamente insatisfecho con los coros, probablemente debido a la mediocridad de su poesía, y había decidido no publicarlos ni interpretarlos.La obertura orquestada por Raff puede haber sido, en lugar del preludio a los coros, el intento de Liszt de salvar parte de la música coral en un formato orquestal. En cualquiera de los casos, Liszt no se sintió plenamente satisfecho con la obertura, ahora independiente, y buscó una fuente de inspiración literaria apropiada para reelaborarla. Le gustaban las melodías pero aparentemente necesitaba asociarlas con una obra literaria a fin de volver a moldearlas en una forma convincente. Tras infructuosos intentos de interesar a Victor Hugo para que le proporcionara un texto, Liszt dirigió su atención a las obras de su amigo Lamartine. En 1851 el compositor se refirió a una Sinfonía Meditación, basada en Lamartine. Esta "Sinfonía" era probablemente Los Preludios.El poema de Lamartine está dividido en cuatro secciones principales, que tratan respectivamente sobre el amor, el destino, la guerra y la campiña. Hay tres transiciones que separan a estas cuatro partes. El poema está encuadrado por una introducción y una conclusión que recuerda a la introducción. Esta forma está claramente marcada en el poema, pues las nuevas secciones introducen longitudes de líneas nuevas y también porque la mayoría de ellas están separadas por asteriscos. Liszt basó la forma de Los Preludios directamente en la del poema. Hay cuatro secciones principales, cada una con un estado de ánimo distinto. La mayoría de ellas comienza con una nueva transformación de la melodía de la apertura. Estas secciones están separadas por transiciones. Toda la obra tiene como prólogo una introducción y termina con una coda que recuerda a la introducción.Según el musicólogo Main, no sólo la forma sino también las variaciones del poema y de la música se corresponden. La sección de amor del poema tiene su paralelismo en el tratamiento del tema principal, suavemente melancólico, por el violín y el violonchelo. El destino cruel del poema está retratado por un allegro tormentoso. La tercera parte principal de la música se corresponde con la cuarta sección del poema. La campiña pastoral está descrita por las figuras del arpa y el corno por encima de una gaita. La tercera parte del poema, la guerra, está reflejada en la cuarta sección principal de la música, que se caracteriza por una marcha.Además, los pasajes de transición de ambas obras se corresponden. Por ejemplo, la llamada de la trompeta que conduce a la sección de marcha del final está inspirada en el verso: "Es el grito del clarín." No es el único ejemplo de instrumentación sugerida por el poema. A todo lo largo del poema se encuentran referencias a la lira, el arpa y el laúd -todos instrumentos de cuerdas que se pulsan con los dedos-. De modo correspondiente, Liszt presenta el arpa en muchos pasajes y comienza el poema tonal con las cuerdas en pizzicato.Una razón por la que los estudiosos creyeron erróneamente que Los Preludios no tenían relación con el poema de Lamartine fue que Liszt hizo un prólogo a la partitura con una breve nota de programa, que solamente se refería de un modo vago a Lamartine y que fue escrita no cuando compuso la música sino para su publicación, cinco años más tarde. Aunque aparentemente se trata de una idea posterior, este programa sirve de guía a la música y ofrece en efecto una explicación del título:¿Qué es nuestra vida sino una serie de preludios a una canción desconocida, de la cual la primera nota solemne es la que hace sonar la Muerte? El amanecer encantado de toda existencia está anunciado por el amor, y sin embargo, ¿en el destino de quién no están interpretados los primeros latidos de la felicidad por tormentas cuyas violentas ráfagas disipan las más caras ilusiones de la persona, consumiendo su altar con un fuego fatal? ¿Y dónde debe hallarse el alma cruelmente golpeada, que habiéndose convertido en juguete de una de esas tempestades no busca olvido en la dulce quietud de la vida rural? Sin embargo, el hombre pocas veces se entrega a la calma beneficiosa que al principio lo encadenó al regazo de la naturaleza. Tan pronto como la trompeta hace sonar la alarma, corre él al puesto del peligro, aunque sea la guerra la que lo convoque a sus filas. Pues hallará nuevamente en la lucha completa autorrealización y plena posesión de sus fuerzas.

http://www.fonoteca.cibm-valencia.com/mp3/8712/06.mp3

Oregon (Jacob de Haan)

Esta fantasía narra la historia de Oregon, uno de los estados del noroeste de América. Viajando en tren por el Pacífico Norte, el oyente se transportará al fascinante paisaje de Oregon. La pieza tiene algunas similitudes con las de una banda sonora de una película. Diversas melodías, que podrían ser los temas principales de una película.

http://www.fonoteca.cibm-valencia.com/mp3/9524/07.mp3

Ross Roy (Jacob de Haan)

Obertura inspirada en la monumental ciudad del mismo nombre, donde fue fundado el St. Peters Lutheran College en 1945.

http://www.fonoteca.cibm-valencia.com/mp3/0702/03.mp3

Tannhaüser (Richard Wagner)

Tannhäuser es una ópera en tres actos, con música y texto de Richard Wagner, basada en las dos leyendas alemanas de Tannhäuser y el concurso de canto de Wartburg. Los temas principales de la ópera son la lucha entre el amor sagrado y profano, y la redención a través del amor (un tema que a su vez dominó gran parte de la obra de madurez de Wagner).
Wagner dirigió el estreno en Dresde en 1845. Su sobrina, Johanna Wagner, interpretó el papel de Elisabeth. Existen dos versiones de la ópera, la segunda, la versión de París, es la que se suele interpretar con más frecuencia.

http://www.fonoteca.cibm-valencia.com/mp3/8624/03.mp3

Las Walkyrias (Richard Wagner)

"La Walkyria" (Die Walküre), primera de las tres jornadas, está dividida en tres actos y el libreto, como en todas sus obras, es del propio Wagner . Fue estrenada en forma individual en el Königliches Hof-Nationaltheater de Munich el 26 de junio de 1870 siendo dirigida por Franz Wüllner.Los primeros fragmentos los compuso el maestro en 1852 y finalizó su composición en 1856. El argumento de "La Walkyria" consta de dos líneas argumentales desarrolladas en los dos primeros actos y que confluyen al final del segundo y en el tercero. Por un lado se narra la historia de Siegmund y Sieglinde y por otro, la de Wotan y su hija, la Walkyria Brünnhilde, de quien se extrae el título de la obra.

http://www.fonoteca.cibm-valencia.com/mp3/8008/03.mp3

Rienzi (Richard Wagner)

Rienzi, der Letzte der Tribunen (WWV 49) (Rienzi, el último Tribuno) es una ópera de Richard Wagner, compuesta en cinco actos con un libreto escrito por el compositor tras leer la novela de Edward Bulwer-Lytton del mismo título. Escrita entre julio de 1838 y noviembre de 1840, fue estrenada en Dresde el 20 de octubre de 1842.
Rienzi es la tercera ópera completada por Wagner, y está escrita en un estilo que recuerda mucho a la Grand Opéra. El estreno en Dresde fue bien recibido por el público, a pesar de que la duración de la ópera llegaba a las seis horas. Más adelante Wagner experimentó diversas opciones para que no resultara una representación tan larga. Probó representando la ópera en dos tardes seguidas e incluso cortando partes de la misma para que pudiera ser representada de una sola tirada.
Debido a su atípico estilo y su larga duración, Rienzi se representa muy poco en la actualidad, hasta el punto de que nunca ha sido representada en el festival de Bayreuth. Wagner llegó a decir más adelante que esta obra era una vergüenza para él, pero el hecho es que fue una de las más exitosas durante la vida del compositor. Una puesta en escena reseñable es la que llevó a cabo Nicholas Hytner en los años 80 en la English National Opera de Londres, que colocaba al héroe en el contexto de los totalitarismos que abundaron durante el siglo XX.
La ópera trata de la vida de Cola di Rienzi, un líder populista que vivió en la Italia medieval y tuvo éxito en derrotar a las clases nobles en Roma y darle el poder al pueblo. Magnánimo al principio, tuvo que sofocar una revuelta de los nobles por recuperar sus privilegios. Con el tiempo, la opinión popular cambió e incluso la iglesia, que al comienzo estaba a su favor se viró en su contra. Al final de la ópera el pueblo quema el Capitolio en el cual Rienzi y unos pocos seguidores se enfrentan a su destino.

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Festmusik der Stadt Wien (Richard Strauss)

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Blue Shades (Frank Ticheli)

Blue Shades alude en su lenguaje musical al blues y al jazz, aunque como su propio autor nos indica, la obra "no es literalmente música de blues". Aún así, como decimos, la obra recurre constantemente a los intervalos típicos del blues, y a las armonías y los ritmos del jazz.La tercera menor es el intervalo básico de la obra. Durante los 115 primeros compases, la tercera menor es repetida como base constante. Este intervalo también va a ser utilizado como generador de motivos melódios, como el importante tema del bajo que aparece por primera vez en el compás 46.Esta última obra se divide en seis secciones. La primera, de 68 compases, funciona a modo de introducción. La segunda, más extensa, con algo más de 100 compases, tiene un carácter expositivo, y en ella se van a mostrar los temas principales de la obra. La tercera sección es llamada por el compositor "pedal de Re y clímax", y mediante un pasaje canónico va a conducirnos al punto culminante de la obra. La cuarta sección, subtitulada "Oscuridad y Suciedad", marca un contraste con la sección anterior, y muestra una atmósfera más sombría y densa, enfatizada por los solos de clarinete bajo. La quinta y penúltima sección implica un pequeño "jazz combo", que se va a ir alternando con la banda general. Es especialmente interesante, en esta parte, los solos del clarinete, escritos como homenaje al gran clarinetista de jazz Benny Goodman. La última sección, de casi 60 compases, constituye una especie de fin de fiesta. Afirma su autor, en los comentarios que realizó en la edición de la obra, que "el final suele provocar una sonrisa en los espectadores".

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Global variations (Nigel Hess)

Espléndida obra que va enlazando distintos estilos musicales del mundo, magnífica combinación que hará las delicias de los oyentes.

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Sinfonía nº 8 "Las Montañas de Mallorca" (Derek Bourgeois)

Mov. 6º Mont Ferruxt .

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Persis (James L. Honsay)

Fantástica obertura.

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Una Nit d´ Albaes (Salvador Giner Vidal)

Poema sinfónico de ambiente valenciano.

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Atiragram (José Pascual Asesio Orús)

Obra de encargo estrenada en el Certamen Internacional de Bandas de Música "Ciudad de Valencia" como obra obligada en la sección segunda.

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Fantasy variations (James Barner)

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